El papel pintado amarillo - Charlotte Perkins Gilman
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Ficha técnica
Título original: The Yellow Wallpaper
Autora: Charlotte Perkins Gilman
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Traductora: María José Chuliá
Fecha edición original: 1890
Fecha edición traducción: 2012
ISBN 13: 978-84-939308-2-0
Núm. Páginas: 88
Editorial: Contraseña
Género: Grandes clásicos | Relato
Sinopsis: En 1885, un año después de haberse casado con Charles Walter Stetson, Charlotte Perkins Gilman dio a luz a su hija, Katharine, y al poco tiempo entró en una profunda depresión. El doctor Silas Weir Mitchell, un reputado neurólogo a quien había acudido en busca de ayuda, le diagnosticó agotamiento de los nervios y le prescribió una cura de descanso, un controvertido tratamiento en el que era pionero. «Vive una vida tan hogareña como te sea posible, realiza no más de dos horas de actividad intelectual al día y no toques nunca más una pluma, un pincel o un lapicero»: estas fueron las instrucciones que le dio el médico a la autora. Durante unos meses siguió estos consejos, pero su depresión se agravó, y, según sus propias palabras, se acercó tanto a la frontera de la profunda ruina mental que llegó a vislumbrar el otro lado. Solo haciendo caso omiso de los consejos del médico y volviendo al trabajo logró recuperarse de su depresión. Esta experiencia la marcó hasta tal punto que en 1890 escribió El papel pintado amarillo, un estremecedor relato que constituye una demoledora crítica al tratamiento prescrito por el doctor Mitchell.

Reseña
Como la misma Charlotte Perkins aclara, ella nunca sufrió de alucinaciones ni nada parecido en relación con la decoración de sus paredes, el papel amarillo, tal y como yo lo entiendo, es sólo un símbolo para mostrar cómo «la vida doméstica» y la inactividad total de una persona la pueden llevar a estados obsesivos sobre cualquier cosa, ¿y qué puede hacer alguien a quien un médico le recomienda para su recuperación el reposo absoluto y el encierro en su casa sino observar día tras día lo que tiene alrededor? Imaginemos que el plazo de esa prescripción no tuviera término, que fuera para toda la vida, ¿quién no enloquecería ante semejante perspectiva? No hay que olvidar que no se habla sólo de una falta de actividad física sino también mental.


Algo en lo que se incide claramente desde el principio es la supremacía de la opinión de un doctor sobre la del cualquier otra persona, así sea la del propio enfermo pidiendo algo que le es necesario para encontrarse mejor, porque el primero asume sin ningún tipo de vacilación que sabe lo que es mejor para el segundo. Y en este caso no sólo está por encima de la autoridad de la enferma la del médico, sino además la del marido que, para más inri, es médico también. Parece ser que la protagonista no tiene ninguna escapatoria ni modo alguno de hacerse escuchar, según mi percepción, no sólo como paciente sino tampoco como mujer. 

 El papel de tapiz amarillo - Editorial Lumen, 2001

Una lectura tan maravillosa como asfixiante, el lector se siente encerrado, perseguido por la obsesión de ese papel pintado de amarillo que es analizado hasta el más mínimo detalle y que casi puede llegar a ver, tocar y oler, pero merece la pena estar cautivo entre estas páginas porque, aunque muy dura, es también una experiencia inolvidable.

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Reencuentro - Fred Uhlman
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Ficha técnica
Título original: Reunion
Autor: Fred uhlman
País: Alemania
Idioma: Inglés
Traductor: Eduardo Goligorsky
Fecha edición original: 1960
Fecha edición traducción: 2010
ISBN 13: 978-84-8383-555-5
Núm. Páginas: 128
Editorial: Tusquets
Género: Narrativa contemporánea | Novela corta
Sinopsis: Dos jóvenes de dieciséis años son compañeros de clase en la misma selecta escuela de enseñanza media. Hans es judío y Konradin, un rico aristócrata miembro de una de las más antiguas familias de Europa. Entre los dos surge una intensa amistad y se vuelven inseparables. Un año después, todo habrá terminado entre ellos. Estamos en la Alemania de 1933, y, tras el ascenso de Hitler al poder, Konradin entra a formar parte de la fuerzas armadas nazis mientras Hans parte hacia el exilio. Tan sólo muchos años después, instalado ya en Estados Unidos, donde intenta olvidar el siniestro episodio que los separó amargamente, y en principio para siempre, «reencuentra» Hans, en cierto modo, al amigo perdido. Esta pequeña obra maestra resurge hoy con la misma capacidad de conmover que cuando se publicó por primera vez en 1960. Su repentino e inesperado enorme éxito le ha merecido ser finalmente traducido y leído en el mundo entero.

Reseña
Cuando terminé de leer esta novela corta de Uhlman lo primero que se me vino a la mente fue otra novela corta, Paradero desconocido de Catherine Kressman Taylor, porque ambas tienen bastantes puntos en común, y el más importante de ellos es que son dos pequeñas obras maestras.



Poco más de la mitad de la novela transcurre de forma tranquila, casi idílica diría yo, mientras se asiste al encuentro de dos seres, Hans y Konrandin, que ansían entrar en contacto con otro ser, pero no con uno cualquiera sino con uno que colme sus expectativas, para dejar de sentirse solos en el mundo.
Ahora el problema crucial ya no consistía, aparentemente, en saber lo que era la vida, sino en resolver qué hacer con esa existencia despreciable y sin embargo singularmente valiosa.
Ya antes de que los judíos comiencen a padecer los problemas de la influencia de Hitler sobre el pueblo alemán —aunque quizás sería más correcto decir sobre los alemanes, ya que los judíos, como deja claro el padre de Hans, también pertenecían al pueblo alemán—, los dos amigos se enfrentan a los suyos propios por la relación de amistad que mantienen, que no es bien vista por la madre de Konrandin, que desciende de una familia aristócrata polaca.
... hay momentos en los que casi me alegro de vivir...
Al final los padres de Hans deciden sacarlo de Alemania y enviarlo a América, y no será hasta mucho tiempo después, treinta años, cuando se produzca el «reencuentro» entre él y Konradin.

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La lotería - Shirley Jackson
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Ficha técnica
Título original: The Lottery
Autora: Shirley Jackson
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Traductor: Hernán Sabaté Vargas
Fecha edición original: 1948
Fecha edición traducción: 1991
ISBN 13: 978-84-350-1123-5
ISBN 10: 84-350-1123-2
Núm. Páginas: 312
Editorial: Edhasa
Género: Relatos | Terror
Sinopsis: Este volumen recoge una serie de relatos extraños y penetrantes sobre la cara oscura de la naturaleza humana. Historias de locura, de amores perdidos y de terrores, cada una de las cuales constituye una obra maestra. Shirley Jackson alcanzó la fama de la noche a la mañana con la publicación de «La lotería», el relato que da título a esta recopilación. Aunque escribió varias novelas, entre ellas The Haunting Hill House y Siempre hemos vivido en el castillo, «La lotería» sigue siendo su obra más famosa y admirable.


«Los relatos de Shirley Jackson no tienen rival por los crecientes escalofríos que produce su prosa bella y serena». 
Dorothy Parker

Reseña
El relato que me ocupa es precisamente el que da nombre al libro, «La lotería». Antes de entrar en materia y dedicarme a analizar el simbolismo —hasta donde pueda hacerlo sin desvelar demasiado de la trama— de este extraordinario relato, debo suscribir las palabras de Dorothy Parker, por lo menos en lo que respecta a esta lectura, uno siente crecientes escalofríos según se va desarrollando la historia, porque lo que empieza como un inocente y afortunado sorteo, o eso es lo que el lector cree, tiene un final tremebundo.

Algunos apellidos son realmente curiosos y creo que dignos de tener en cuenta: Delacroix —de la cruz—, Summers —veranos—, Graves —tumbas—, etc. ¿Será casualidad que la persona que dirige el sorteo sea Mr. Summers y los sorteos se produzcan en verano.

Hay tanto plasmado en estas pocas páginas: sociedades patriarcales, sinrazones colectivas, costumbres o rituales que se mantienen sin tener base alguna, la familia como unidad pero sin desligarse del pueblo como unidad, tradiciones familiares y/o sociales que se heredan, el salvajismo del ser humano, etc.


Nadie sabe cuándo comenzó el sorteo, pero se sigue realizando cada verano por una cuestión de costumbre, siempre se hizo y se tiene que seguir haciendo,  y aunque se van escuchando noticias de que en otros pueblos vecinos ya se ha puesto fin a esta tradición, por lo que se deduce del diálogo entre el matrimonio Adams y el viejo Warner, los más ancianos se niegan a que desaparezca. La cuestión es que si se le preguntara al viejo Warner con qué fin se realiza el sorteo seguramente no tendría ni la más mínima idea. Individuos/as aferrados/as a tradiciones cruentas y prácticas bárbaras, que piensan que se deben hacer las cosas de la misma manera que se hicieron durante mucho tiempo atrás, los/as podemos encontrar a día de hoy en cualquier lugar, hay muchos y muchas Warner repartidos por el mundo pero, al fin y al cabo, más cínicos/as que él, porque sólo aceptan las reglas del juego en los ámbitos de sus vidas que les interesan, participan de buen grado en los sorteos donde no corren el riesgo de ser ellos/as los/as "agraciados/as".
Summers hablaba con frecuencia a sus vecinos de hacer una caja nueva, pero a nadie le gustaba modificar la tradición que representaba aquella caja negra. Corría la historia de que la caja actual se había realizado con algunas piezas de la caja que la había precedido, la que habían construido las primeras familias cuando se instalaron allí y fundaron el pueblo. Cada año, después de la lotería, el señor Summers empezaba a hablar otra vez de hacer una caja nueva, pero cada año el asunto acababa difuminándose sin que se hiciera nada al respecto. La caja negra estaba cada vez más gastada y ya ni siquiera era completamente negra, sino que le había saltado una gran astilla en uno de los lados, dejando a la vista el color original de la madera, y en algunas partes estaba descolorida o manchada.
El desarrollo del sorteo lo interpreto como una imagen de la estructura de la sociedad: individuo, familia, pueblo. La tradición viene del pueblo, las familias la acatan, y los individuos no se rebelan contra ella. No hay que pasar tampoco por alto que las mujeres aquí tienen poco que decir —impagable el detalle de la señora Hutchinson que llega tarde porque no quiere dejar los platos sin fregar—, no pueden ser parte activa, excepto en casos especiales, pero sufren el resultado de todas maneras. Junto con las mujeres los que tienen que aceptar el resultado del sorteo que proviene de la elección de sus padres son los niños. Un individuo no puede ser sólo juzgado por sí mismo, sino que se tiene que tener en cuenta su entorno, ya sea el más cercano, el familiar, como el más amplio, la sociedad, de la misma manera que ese mismo individuo no padece sólo las consecuencias de sus elecciones sino también las de los otros cuando pertenece a un grupo.

Y no puedo decir mucho más, aunque me gustaría, sin tocar el tema de lo que uno gana cuando abre su mano y descubre que le ha tocado la papeleta marcada. Participad y disfrutad.

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Once Upon a Time in Mumbaai - Milan Luthria
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Ficha técnica
Título original: Once Upon a Time in Mumbaai
Año: 2010
Duración: 135 min.
País: India
Director: Milan Luthria
Guión: Rajat Arora
Música: Pritam Chakraborty, Sandeep Shirodkar
Fotografía: Aseem Mishra
Reparto: Ajay Devgn, Gauhar Khan, Randeep Hooda, Emraan Hashmi, Kangana Ranaut, Prachi Desai, Avtar Gill, Asif Basra, Imran Hasnee, Arbaaz Ali Khan, Naved Aslam, Mehul Bhojak, Dheerendra Dwivedi, Ravi Khanvilkar, Master Namit Dahiya
Productora: Balaji Motion Pictures
Productores: Ekta Kapoor, Shobha Kapoor
Premios: Star Screen 2011
Mejor música popular (Pritam)
Stardust
Mejor thriller, película de acción (Ekta Kapoor)
Mejor actor de thriller, película de acción (Ajay Devgn)
Mejor actriz en un reparto coral (Prachi Desai)
Lions Gold 2010
Actor popular favorito (Ajay Devgn)
Actor de reparto favorito (Randeep Hooda)
Actriz de reparto favorita (Prachi Desai)
Apsara Film & Television Producers Guilds
Mejor guión (Rajat Arora)
Mejor actriz de reparto (Prachi Desai)
Zee Cine 2011
Mejor actriz de reparto (Prachi Desai)
Mejor cantante de playback masculino (Mohit Chauhan - "Pee Loon")
Mejor diálogo (Rajat Arora)
Global Indian Music 2011
Mejor arreglista y programador musical (Sandeep Shirodkar - "Pee Loon")
Mejor letrista (Irshad Kamil - "Pee Loon")
Mejor cantante masculino de playback (Mohit Chauhan - "Pee Loon")
Mejor canción del año ("Pee Loon")
MTV Hot Pick of The Year ("Tum Jo Aaye")
International Indian Film Academy 2011
Mejor actriz de reparto (Prachi Desai)
Global Indian Film and Television 2011
Mejor actor principal (Ajay Devgn)
Mejor cantante de playback masculino (Mohit Chauhan - "Pee Loon")
Mejor regrabación (Ajay Kumar)
Mejores diálogos (Rajat Aroraa)
Mejor dirección artística (Nitin Chandrakant Desai)
Mejor diseño de vestuario (Rushi Sharma y Manoshi Nath)
Género: Crimen | Acción | Thriller
Sinopsis: A través de los ojos de un oficial de policía se cuenta la historia de dos pistoleros desde los años 70 hasta el presente, cuyas vidas toman caminos paralelos en su lucha por sobrevivir dentro de hampa de Bombay.

Reseña
En Once Upon a Time in Mumbaai fue donde descubrí a Ajay Devgn, ayer la volví a ver de nuevo y me gustó más que la primera vez, aprecié algunos detalles que anteriormente no tuve en cuenta y pasé por alto otros a los que les di demasiada importancia, por supuesto, todo lo anterior es algo que también he dejado que se refleje en mi valoración, pasando de un 7,4 a un 8,4, y valorándola visceralmente le daría un 9, pero me viene a la mente Gangs of Wasseypur I & II, gran recomendación que me hizo un amigo, y entiendo que, objetivamente, no puedo ponerlas ambas a la misma altura, aunque no descarto que en posteriores visionados mi objetividad se vaya al traste.
The old fables had only one king. But there are two in this one. One became the king with his courage. And the other was obstinate about becoming one. 

 La historia no es novedosa ni original en cuanto a su concepción —de hecho se cree que está basada en las vidas de Haji Mastan (Sultán) y Dawood Ibrahim (Shoaib)— lo que a mí me ha resultado original es el desenlace al que nos lleva el desarrollo de la idea principal. El personaje de Randeep Hooda (Inspector Agnel), el tercer pilar de esta trama, es el que nos cuenta lo sucedido en Bombay antes de que él tome la decisión de suicidarse, pero ¿por qué se intenta quitar la vida el hombre obsesionado con meter a Sultán Mirza (Ajay Devgn) entre rejas? Para conocer la respuesta tendréis que ver la película.

It's easy to choose between the wrong and the right. But equally difficult to choose between two wrong people. And that's where I lost.
Todos y cada uno de los actores hace su trabajo de forma encomiable, pero ver a Ajay Devgn y Emraan Hashmi es algo indescriptible, en mi caso sobre todo al primero, están tan perfectos desde el principio  y hasta el final que uno nunca quiere que la película se acabe, quiere seguir viéndolos una y otra vez. Y no puedo dejar de hacer una mención especial a Naved Aslam, no es uno de los personajes principales pero a mí me ha gustado mucho su papel.
I thought we'll rule together. But there can be only one king.
La banda sonora es una delicia, toda la música y los efectos de sonido de esta película son una auténtica maravilla, y aunque hay algunas ocasiones en las que yo, personalmente, no los hubiera utilizado, ya que hay escenas que de por sí tienen suficiente carga dramática y pienso que a veces menos es más, creo que están usados de forma consciente para darle un aire más retro al film.



En cuanto a la parte visual en algunos momentos para mí alcanza la excelencia, y el comienzo, cuando Sultán Mirza llega de Madrás, con esos colores fríos es una maravilla. Los detalles están muy cuidados, y aunque en algunas ocasiones sean demasiado obvios, en otras los han sabido trabajar de forma sutil dejando que sea el espectador el que desentrañe su significado antes de darle la clave
I made him my soldier but he's out to be the king of the city.
Un último dato, además de los múltiples premios que consiguió Once Upon a Time in Mumbaai, tuvo otras 39 nominaciones.

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Deewangee - Anees Bazmee
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Ficha técnica
Título original: Deewangee
Año: 2002
Duración: 169 min.
País: India
Director: Anees Bazmee
Guión: Anees Bazmee
Música: Ismail Darbar
Fotografía: Anees Bazmee
Reparto: Ajay Devgn, Akshaye Khanna, Urmila Matondkar, Farida Jalal, Tiku Talsania, Suhasini Mulay, Seema Biswas
Productora: Neha Arts
Productor: Nitin Manmohan
Premios: Filmfare 2002
Mejor interpretación de un papel negativo (Ajay Devgn)
Filmfare 2003
Mejor villano (Ajay Devgn)
Star Screen 2003
Mejor villano (Ajay Devgn)
Zee Cine 2003
Mejor interpretación de un papel negativo (Ajay Devgn)
Género: Thriller | Romance
Sinopsis: Raj Goyal es un famoso y exitoso abogado. En una fiesta conoce a Sargam a través de Ashwin Mehta. Al día siguiente Ashwin es asesinado. Sargam recurre a Raj para que defienda al acusado, Tarang Bhardwaj. Raj acepta, y con la ayuda de una psiquiatra es capaz de demostrar que Tarang es inocente. ¿Pero es Tarang realmente la persona que parece? ¿O es Ranjit, su otra personalidad, que es capaz de matar?

Reseña
Voy a empezar aclarando algo, todo el mundo cataloga a Deewangee de remake, a mí tanto como un remake no me parece, aunque es innegable que utiliza el mismo punto central que Las dos caras de la verdad.


La pregunta que me hice a mí misma cuando terminé de ver esta película fue, ¿cómo ser justa con una película regular y al mismo tiempo ser justa con un gran actor? Es complicado, al menos para mí, porque al final la valoración se queda en un término medio que no es tampoco justo del todo. En su día a la película protagonizada por Richard Gere y Edward Norton le di un ocho por el espectacular trabajo de Norton —uno de mis actores preferidos por su gran versatilidad—, hoy le doy un siete a Deewangee por el gran trabajo de Ajay Devgn, en ninguno de los dos casos esa es la nota que para mí merece la película en conjunto, pero no puedo dejar de valorar el trabajo del actor clave, sobre todo cuando, como en el caso que nos ocupa, destaca de forma tan evidente entre todos los demás actores.

Like the wise old men say, knowledge never goes waste.
Las actuaciones musicales, que suelen ser un elemento muy importante en el cine indio, en este caso no me han parecido nada del otro mundo exceptuando un par de ellas que están bastante bien.


El trabajo de Urmila Matondkar, la actriz principal, lo considero bastante mediocre, apenas ha sido capaz de transmitirme nada,  y el del otro actor principal, Akshaye Khanna, tampoco me ha terminado de convencer del todo, y eso que en Dil Chahta Hai está muy bien.


En una crítica que leí recomendaban ver Las dos caras de la verdad en lugar de ver ésta, y es cierto que es mejor película, pero creo que ésta merece la pena verla por Ajay Devgn.

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Satyagraha - Prakash Jha
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Ficha técnica 
Título original: Satyagraha 
Año: 2013 
Duración: 153 min. 
País: India 
Director: Prakash Jha Guión: Anjum Rajabali, Prakash Jha, Rutvik Oza 
Música: Salim-Sulaiman, Indian Ocean, Meet Bros Anjjan, Aadesh Shrivastava 
Fotografía: Sachin Krishna 
Reparto: Amitabh Bachchan, Ajay Devgn, Kareena Kapoor, Arjun Rampal, Manoj Bajpai, Amrita Rao, Vipin Sharma, Natasa Stankovic, Mitalee Jagtap Varadkar, Mugdha Godse, Indraneil Sengupta
Productora: Prakash Jha Productions 
Productores: Prakash Jha, Ronnie Screwvala, Siddharth Roy Kapur 
Género: Drama | Drama social 
Sinopsis: Satyagraha es la historia de un hijo que anhela un padre. De un padre que llora por su hijo perdido. De una joven que lucha tan duro en la vida que ha olvidado el amor. De un ambicioso revolucionario para quien la acción directa es su mantra. Ésta es la historia de cómo ellos cuatro se descubren unos a otros y juntos se rebelan contra su gobierno. Pero, Satyagraha es también la historia de un déspota influyente y sediento de poder que no se detendrá ante nada para destruirlos. ¡Satyagraha: La revolución ha comenzado! 

 Reseña
De Satyagraha valoro más su mensaje que su calidad cinematográfica, desde mi perspectiva hay películas en las que esto se debe tener muy en cuenta, sobre todo cuando el mensaje es tan importante como en este caso: el gobierno y los funcionarios del gobierno no son nuestros jefes, sino todo lo contrario, sus jefes somos nosotros, pero ellos parecen haberlo olvidado y nosotros también.


¿Qué creo yo que le falta a este film para ser tan bueno como podría haber sido? Sobre todo un poco más de sutileza. Adoro el cine indio, y estoy acostumbrada a sus excesos, pero en este caso considero que un poco menos de efectismo en algunas ocasiones le hubiera sentado muy bien.


La historia no cuenta nada nuevo, gobiernos podridos, funcionarios corruptos, las fuerzas policiales trabajando a su servicio, etc., pero siempre viene bien que nos recuerden ciertas cosas, por si no las tenemos presentes, y una de esas cosas es que la fuerza de las personas reside en su unión, en que luchen juntas por una causa, porque un gobierno puede derribar a uno, a diez, a cien, pero si hablamos de miles, y si subimos a millones, ¿qué gobierno podría? Y si pudiera, ¿por cuánto tiempo sería? Piénsenlo, sólo, piénsenlo.

Satyagraha es la insistencia en la verdad —satya (verdad) y agraha (insistencia o sostener firmemente)—, este neologismo concebido por Gandhi es constitutivo de su forma de lucha: la resistencia civil o resistencia no violenta.
En la película, Dwarka Anand (Amitabh Bachchan) es quien encarna la figura del luchador pasivo, que tiene como fin conseguir que el gobierno cumpla con sus deberes, un gobierno para el cual su hijo trabajaba y al que asesinan por intereses políticos. A su lucha se unen muchísimas personas, entre ellas el mejor amigo de su hijo, Manav Raghvendra (Ajay Devgn), la periodista Yasmin Ahmed (Kareena Kapoor), y el líder de la zona Arjun (Arjun Rampal). Las noticias acerca de su lucha comienzan a dar la vuelta al mundo y atraen a más y más seguidores, pero a raíz de la huelga de hambre de Dwarka y su debilitamiento, las cosas comienza a complicarse y se les terminan yendo de las manos.


Me gustan muchísimo Amitabh Bachchan y Kareena Kapoor, pero mi gran descubrimiento este año está siendo Ajay Devgn, lo voy a seguir de cerca.


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El hombre doliente - Viktor E. Frankl
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Ficha técnica 
Título original: Der leidende Mensch. Anthropologische Grundlagen der Psychotherapie
Autor: Viktor E. Frankl
País: Alemania
Idioma: Alemán
Traductor:  Desconocido
Fecha edición original: 1975
Fecha traducción: 2011
ISBN 13: 978-84-254-2819-7
Núm. Páginas: 320
Editorial: Herder
Género: Ensayo | Divulgación

Reseña
Ha sido un verdadero problema para mí valorar este libro básicamente por dos razones, principalmente por la segunda de ellas: la primera es que sólo una tercera parte, aproximadamente, ha sido capaz de captar mi total atención y mantener mi interés, pero de eso muchas veces no es responsable el libro sino el lector; la segunda es que el autor hace algunas afirmaciones que a mí me parecen ofensivas. Pero tengo que dejar clara una cosa, aunque en conciencia no pueda valorarlo como me hubiera gustado hacerlo, considero que es una lectura de esas que nadie se debería perder, porque hay algunas ideas tan magníficas en estas trescientas veinte páginas... Al margen de lo anterior, el campo de la logoterapia es tremendamente interesante y merecería ser tan conocido como lo son las teorías de Adler y de Freud, porque ¿de qué sirve el placer de Freud o los complejos de Adler si no existe un sentido? 
... el que juzga o condena a alguien por lo que ha recibido en lo biológico (herencia, también, nacionalidad), en lo psicológico, (educación y formación) y en lo sociológico (hechos sociales y económicos), y no por lo que ha hecho con esos elementos, comete una injusticia con él...
Un punto importante de esta lectura es el concepto de catarsis, ¿realmente es posible la catarsis? Y no me refiero a la utilización de esta técnica por parte de Freud en el psicoanálisis, mediante la cual se desbloquean los recuerdos reprimidos, sino al concepto primigenio, el de Aristóteles. Imaginemos a un asesino en potencia sentado cómodamente en un sofá en el salón de su casa y preparado para ver una película, imaginemos un poco más, el argumento de la película es la historia de un asesino que comete un crimen y es encarcelado de por vida, ¿decidirá el asesino en potencia cambiar sus planes y no cometer el crimen que tenía en mente porque no quiere que le suceda a él lo mismo que le sucede a asesino de ficción? Difícil. Pensemos que si esto fuera cierto las cárceles están llenas de ejemplos, hay miles de personas que han cometido los más diversos crímenes, y no es ficción sino realidad, ¿no debería ser esto suficiente elemento de catarsis?
No parece, pues, que se pueda seguir defendiendo la teoría de la catarsis, una doctrina derivada de Aristóteles, según la cual la representación escénica de la violencia induce a los espectadores a disminuir sus tendencias agresivas.>
Vamos al lado contrario, Frankl utiliza el experimento que describiré a continuación como ejemplo de profilaxis, yo lo voy a utilizar como un ejemplo de la otra cara de la catarsis. En un catón de Suiza los medios de comunicación locales llegaron al acuerdo de no mencionar el suicidio durante un año, en ese plazo de tiempo la tasa de suicidio disminuyó un 10%. ¿Si la catarsis funcionara de forma general, lo lógico en este experimento no sería que la tasa de suicidio hubiera aumentado al no tener los suicidas este medio de catarsis? Es un tema complejo éste, pero yo creo que los medios de comunicación más que catarsis lo que provocan es incitación, y el experimento lo demuestra.
De ese modo, en la línea del aprendizaje más eficaz, que es el «aprendizaje mediante modelo», el sufrimiento de un homo patiens puede beneficiar a otro, poniendo en marcha un reciclaje existencial.
Así, pues, Frankl rechaza el concepto de catarsis en cuanto a que, por ejemplo, ver violencia pueda disminuir las emociones violentas, pero acepta que se puede aprender a través de la experiencia de otro, que es algo que yo considero inherente a la catarsis, porque tal y como yo la entiendo su base es el ejemplo.
No quiero alargarme demasiado, a pesar de que hay muchas cosas que me gustaría comentar y analizar, así que quiero hacer un pequeño comentario y terminar con unas palabras de Frankl sobre el tema central del libro: la búsqueda de sentido.


Frankl postula que las personas necesitan encontrarle un sentido a su vida, lo contrario provoca un vacío existencial que puede derivar hacia múltiples enfermedades, dependencias, crímenes, etc., e incluso conducir a la muerte. 
Hay por decirlo así, tres pistas principales para encontrar el sentido: primero, realizando una acción o creando una obra; segundo, contactando con algo, sea naturaleza o arte; quiero decir, con algo o con alguien; y tomar contacto con alguien hasta el fondo de su ser único y singular significa amarle. En otros términos: el sentido se puede encontrar tanto por la vía regia activa como por la vía regia contemplativa. Y, finalmente, se deduce que no sólo podemos encontrar el sentido, por decirlo así, en el trabajo y en el amor, sino también cuando somos víctimas impotentes de una situación desesperada, una situación que no podemos cambiar, en la que sólo podemos modificar nuestra propia actitud, cambiándonos a nosotros mismos, madurando, creciendo, trascendiéndonos y dando así testimonio de la facultad más humana del hombre: la de transmutar una tragedia personal en un triunfo.
Tanto si habéis encontrado ya el sentido de vuestra vida como si no, leed a Frankl, no os arrepentiréis de hacerlo.

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Tren a Pakistán - Khushwant Singh
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Ficha técnica
Título original: Train to Pakistán
Autor: Khushwant Singh
País: India
Idioma: Inglés
Traductora: Marta Alcaraz 
Fecha edición original: 1956
Fecha edición traducción: 2011
ISBN 13: 978-84-92663-34-7
Núm. Páginas: 248
Editorial: Libros del Asteroide
Género: Narrativa contemporánea | Novela histórica 
Sinopsis: A comienzos de 1947 los territorios del Indostán que dependían del Imperio Británico alcanzan la independencia. El territorio continental de la India queda dividido en dos países: India y Pakistán (de mayoría musulmana); el odio religioso se extiende por ambos produciendo centenares de miles de muertos y generando un conflicto que todavía perdura. Cuando en Mano Majra, un pequeño pueblo al norte de la India junto a la frontera con Pakistán, el prestamista local es asesinado, todas las sospechas recaen sobre un conocido ladrón sij, enamorado de una musulmana. Las habladurías que provoca el crimen, la llegada de un tren cargado de cadáveres y los rumores de revueltas en otras partes del país terminan enrareciendo la convivencia en el pueblo. Este clásico de la literatura india, publicado por primera vez en 1956, nos recuerda lo sencillo que es incitar al odio y romper la armonía en comunidades que han convivido pacíficamente durante siglos. Tren a Pakistán es una emotiva novela que nos ayuda a comprender la riqueza y complejidad de la India y la de una región de cuya estabilidad depende, en gran medida, la paz mundial.

Reseña
Estamos en 1947, año de la partición de la India, y la historia se centra en un pequeña aldea, Mano Majra, situada en la frontera entre India y Pakistán, donde los efectos de la división del país todavía no se han hecho notar. 

Esta novela tiene dos partes: la ficticia y la histórica. A la ficticia no se le puede poner ningún pero, al menos ninguno vital, a la histórica sí.
Los musulmanes decían que los hindúes habían planeado y desencadenado la matanza. Según los hindúes, los culpables eran los musulmanes. Lo cierto es que los dos bandos mataron; los dos usaron pistolas, cuchillos, lanzas y porras; los dos torturaron; los dos violaron.
Evidentemente nadie puede decir que esto no sea cierto, pero las cosas son algo más complicadas que un par de líneas donde se repartan responsabilidades de forma equitativa, porque aunque a muchos les guste esta fórmula, no es precisa. 

La gran masacre de Calcuta fue la inmediata consecuencia de la llamada de Mohamed Ali Jinnah, líder de la Liga Musulmana, a la «acción directa», y tenía como fin conseguir Pakistán, de hecho a este día, el 16 de agosto de 1946, se le conoce como el Día de la Acción Directa. Si alguien no se hace una idea de lo que «acción directa» significa puede leer los veintitrés puntos de los que constaba el programa. Baste decir que Jinnah creía, y digo creía porque según se cuenta estaba impreso en los panfletos de su partido, que un musulmán debía tener los mismos derechos que cinco hindúes, que es como decir que un musulmán valía lo que valían cinco hindúes. 
La conciencia del mal es un requisito esencial para el fomento del bien. De nada sirve tratar de levantar un segundo piso en una casa de muros poco firmes, más vale derribarla.
Un asesinato es un asesinato, eso es así, pero los motivos son los que hacen que un asesinato difiera de otro aunque el hecho sea el mismo, como ejemplo se puede poner la Rebelión de los Cipayos, estamos en una situación similar, todos mataron, las dos facciones, pero ¿mataron por las mismos motivos? No. Y es muy importante dejarlo claro.

Por lo demás, y aunque ciertos detalles me parezcan algo tendenciosos, el trabajo de Singh es bueno, la historia está dividida en tres bloques principales: la convivencia pacífica de musulmanes y sijs en Mano Majra, la partida de los musulmanes de aldea, y la decisión de sus vecinos sijs de atacar o no el tren que los lleva a Pakistán.
Cada uno tiene su dignidad en sus manos.
Todos los personajes tienen su interés, pero hay algunos de ellos que sobresalen y entre los que sobresalen hay dos que son el vivo ejemplo del cinismo: el juez y el activista. Ninguno de ellos hace lo que le corresponde y ambos intentan acallar su conciencia con el alcohol después de que las débiles razones que se dan a ellos mismos para no hacer lo que saben que tienen que hacer no funcionan. 
La palabra monzón no significa «lluvia». El monzón es una estación, como el vocablo árabe del que proviene indica. Hay un monzón de verano y un monzón de invierno, pero sólo son los tempestuosos vientos del verano los que traen el mausen, la estación de las lluvias. 
El personaje que cierra la novela es un personaje sin nombre, pero a pesar de ello todos sabemos quién es.
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La jauría humana - Arthur Penn
Unknown

Ficha técnica
Título original: The Chase
Año: 1966
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos 
Director: Arthur Penn
Guión: Lillian Hellman (Novela: Horton Foote)
Música: John Barry
Fotografía: Robert Surtees
Reparto: Marlon Brando, Robert Redford, Angie Dickinson, Jane Fonda, Miriam Hopkins, E.G. Marshall, Robert Duvall, James Fox, Martha Hyer, Janice Rule, Richard Bradford, Jocelyn Brando, Katherine Walsh, Diana Hyland, Henry Hull, Clifton James
Productora: Columbia Pictures. 
Productor: Sam Spiegel
Género: Drama | Drama sureño
Sinopsis: Un hombre (Robert Redford) que se ha escapado de la cárcel vuelve a su pueblo, pero sus vecinos, gentes absolutamente degradadas, emprenden contra él una auténtica cacería como si se tratara de una diversión más. Sólo el sheriff (Marlon Brando), un hombre integro y cabal, tratará de evitar su linchamiento.

Reseña
Retrato de la mezquindad humana, de la decadencia moral de una pequeña población, que se mantiene incólume hasta el día de hoy, casi cincuenta años después de su rodaje, porque lo que cuenta es universal, susceptible de extrapolación a cualquier otro lugar y, lo que es más importante si cabe, a cualquier otro tiempo, teniendo en cuenta apenas unas mínimas variables.

Cuando se estrenó, en el año 1966, estaba llegando a su fin el Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos, y en ella hay muestras acertadamente mesuradas de la gran descriminación que sufrían las personas negras, sólo hace falta algo tan simple como un paseo inocente para verse abordado por tres hombres dispuestos a golpear, o disparar si hace falta, a una persona por el color de su piel. Es una gran secuencia no por sí sola sino por su concatenación con otras dos anteriores, que no hacen más que mostrar que lo que consideran divertido, a pesar de ser reprobable, en un hombre blanco, lo consideran repulsivo en un hombre negro, y por si fuera poco todo lo anterior, queda claro que el hombre negro ni siquiera tiene las mismas ideas retorcidas que ellos ni el mismo comportamiento indecente, por lo que resulta un recurso de narración magnífico para apuntalar una de los ángulos del tema: el racismo.

La repetición constante de una misma situación con diferentes lugares y personas teniendo sólo como denominador común al Sheriff Calder, deja claro ya desde el principio otro punto importante de la historia: el Sheriff está solo contra todo un pueblo. No confían en él, pero quizás ése sea el menor de los motivos y el más pequeño de sus problemas, lo que precipita su caída entre sus conciudadanos son los celos y la envidia, no confían en él porque sospechan que trabaja por y para los intereses de Val Rogers, el hombre con más influencia del pueblo entero, sin embargo, todos ellos están al acecho, ávidos por tener la más mínima oportunidad de agradar al cacique para así poder gozar de su beneplácito. Lo trágico del asunto en el caso de Calder es que ni siquiera a aquellos a los que intenta ayudar creen en su buena fe y en su honradez.

Uno de los personajes más importantes en esta historia es Briggs, que es el paradigma del chismorreo, no sólo es que sus comentarios, así como los de su esposa, sean en muchas ocasiones malintencionados e hirientes, sino que es él quien con sus incesantes murmuraciones precipita los acontecimientos que más tarde tendrán infaustas consecuencias. Hay un par de planos espléndidos de él, muy reveladores, uno de ellos el siguiente...


... mezclado entre la multitud, medio escondido, apareciendo poco a poco, desenfocado. Puede parecer un ciudadano más, uno cualquiera, pero no lo es, aunque él directamente no haga nada es uno de los grandes responsables de todo lo que sucede.

Bubber, que es el centro de esta historia al fin y al cabo, es un perdedor, un tipo con buen corazón al que todo le sale mal haga lo que haga y sin importar que sea lo correcto. Él es el personaje a través del cual se expone de forma patente que el odio y la violencia pueden ir dirigidos hacia cualquiera, que sólo hacen falta unos cuantos individuos aburridos de sus vidas, sin capacidad para pensar por sí mismos y debido a ello arrastrados por la turba, para que decidan como si fuera un juego terminar con la vida de una persona. Y algunos de esos individuos ni siquiera actúan movidos por el odio sino por el miedo, y otros, aunque parezca increíble, tan sólo por simple diversión.

El final no podía ser otro que el que es porque hubiera sido engañoso de ser de otro modo, pero eso no importa demasiado porque está ya todo contado cuando se llega a él, las últimas escenas son únicamente las lógicas y nefastas consecuencias de todo lo sucedido anteriormente.

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